ASKERI GALLERY

ASKERI GALLERY – московская галерея современного искусства, основана Полиной Аскери в 2016 году, и с тех пор воплотила множество выставочных и благотворительных проектов в России и за рубежом.

ASKERI GALLERY занимается реализацией предметов искусства, сотрудничает с небольшим количеством художников, стратегически выстраивая их карьерный путь. Галерея работает как с молодыми, так и с известными во всем мире художниками, чьи работы отражают основные тенденции современного западного и восточного искусства.

Всемирно известный корейский художник Кван Йонг Чан. Художник работает в авторской технике, создавая отдельно стоящие и настенные объекты, которые состоят из небольших треугольных форм, завернутых в шелковичную бумагу, часто окрашенную чаем или пигментом. Кван Йонг Чан ссылается на коды, символы и системы, которыми наделены все окружающие нас объекты.

Работы Кван Йонг Чана находятся в частных и многочисленных публичных коллекциях, включая Фонд Рокфеллера и Организацию Объединенных Наций (Нью-Йорк); Международный Центр Ученых имени Вудро Вильсона (Вашингтон, США), Филадельфийское общество (Пенсильвания, США); Национальный музей современного искусства (Сеул, Южная Корея) и Сеульский Музей Искусств (Сеул, Южная Корея); Национальную галерею Австралии (Канберра, Австралия); Музей Виктории и Альберта (Лондон, Великобритания) и Национальный музей изобразительных искусств (Республика Мальта). Кван Йонг Чан был назван Художником года по версии Национального музея современного искусства Сеула в 2001 году, а в 2009 году он был удостоен 41-й президентской премии в области культуры и искусства Министерства культуры, спорта и туризма Южной Кореи.

Скульптор и живописец Питер Опхайм, который прославился благодаря фантазийным мирам, конструируемым на картинах и воплощенных в скульптурах. Работы Опхайма – тонкое ироничное исследование мира детских фантазий, закладывающее основу для формирования человеческой личности.

Питер Опхайм – получатель гранта «Pollock-Krasner Foundation», Нью-Йорк. Работы Питера находятся в многочисленных частных и публичных коллекциях: в коллекции Первого Национального Банка (Сан-Антонио, США); Hallmark, (Канзас-Сити, США); Harwood, Museum of Art (Таос, США); Magnolia Hotel (Хьюстон, США); Northwest Airlines (Мемфис, США); Коллекция Прогрессивного Искусства (Кливленд, США) куда, помимо прочего, вошли работы Энди Уорхолла, Ричарда Принса и Синди Шерман; The Purme Foundation (Сеул, Южная Корея); Venetian Hotel (Лас Вегас, США).

Ромен Фроке – французский художник, отличающийся своей многогранностью: Ромен свободно чувствует себя в разных видах искусства от живописных произведений, городских граффити и муралов до инсталляций в выставочных залах и на уличных площадках.

Фроке прославился за счет оформления общественных пространств, создания муралов и маленьких арт-объектов. Самые знаменитые его проекты: Urban Tree, La Karrière, Франция, 2019; Playground Des Halles, Париж, Франция, 2019; Francs Colleurs, по всему миру, начиная с 2018; Весна (Bosco), Москва, Россия, 2017; Crossroadswall Майями США, 2017; K-LIVE Сет, Франция, 2016; Open The Door, Хьюстон, США, 2015.

Московский художник, ученик Айдан Салаховой, Глеб Скубачевский, работает в авторской технике, основной медиум – бумага. Произведения балансируют на грани живописи, скульптуры и дизайна. Автор называет себя исследователем, создателем новых форм жизни и, так как путешествия в другие миры для нас пока не доступны, художник предлагает размышление о ток, как бы выглядели живые организмы из потусторонней реальности, как бы они вписывались в наш мир.

В 2016 году Глеб Скубачевский вошел в Топ 100 признанных молодых художников России по версии журнала INART. Двукратный лауреат награды UNESCO за участие в художественных симпозиумах Patras Art Fair и Athina Art Fair. Работы художника находятся в частных коллекциях в России, Великобритании, Черногории, Греции, Италии, Словакии, Швейцарии, Франции, Тайвани, Бразилии и Гонконга.

Глеб участвовал в арт-резиденциях по всему миру: Dukley European Art Community, Котор, Черногория; Sacatar residence, Итапарика, Бразилия; Athens Art fair, Palace Hotel Bomo Club, Афины, Греция; Imago Anima Symposium, Synagogue Center for Contemporary Art, Трнава, Словакия; 15th International Symposium in Partah, Municipal Gallery, Патры, Греция; Respect, International Symposium, Челли Мюле, Австрия; Cabianca Siena, Сиена, Италия.

Маша Руденко - мультидисциплинарная художница, творчество которой сочетает в себе перформанс, видео-арт, фотографию, коллаж, живопись, боди-арт, смешанные техники. Маша родилась в Таганроге, в 17 лет победила на конкурсе Elite Model Look, после чего работала моделью в Москве, Париже, Милане, Лондоне, Токио, Барселоне, Гамбурге, Берлине, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, затем переехала в США, где осуществила давнюю мечту, поступив в Нью-Йоркскую школу рисования, живописи и скульптуры, а потом продолжив обучение в классической школе живописи The Art League School.

Дебютировала в качестве художницы с проектом Mashpit – перформансом-перевоплощением, результатом которого стали фотографии, зафиксировавшие ее в образах Фриды Кало, Сальвадора Дали, Квентина Тарантино, Вуди Аллена и других знаковых личностей. Проект был задуман и осуществлен в том числе благодаря навыкам, полученным Машей во время работы моделью: ее умению адаптироваться, перевоплощаться, примерять на себя самые разные образы. В 2017 году проект был показан в Allouche Gallery в Нью-Йорке, в 2019-м – в Who I Am Gallery в Москве.

Даниэль Закх – российский скульптор, художник, архитектор. В своих работах исследует границы между архитектурой, скульптурой, визуальными искусствами и программированием.

Даниэль с отличием окончил магистратуру-студию Захи Хадид в Венском Университете Прикладных Искусств (Австрия), после чего работал в Zaha Hadid Architects (Лондон, Великобритания). Осознав, что работа в рамках престижной, но крупной корпорации не дает возможности заниматься художественным поиском, Даниэль вернулся в Россию, где начал работать над первыми самостоятельными проектами, продолжая эстетические поиски своего учителя, архитектора Захи Хадид.

Анна де Карбуччиа – американская фотохудожница. Ее работы объединяют «Храмы времени»: фотография становится вечной фиксацией временной инсталляции. Храмы времени представляют собой оригинальную интерпретацию жанра ванитас – традиции натюрморта, уходящей корнями в 16-17 вв., где активно использовалось изображение черепа как символа суеты, тщетности земной жизни и бренности мирского. Подобным образом, песочные часы напоминают о том, что время скоротечно. Анна добавляет органические элементы и найденные объекты, каждый из которых выбирается в соответствии со своим символическим значением. Инсталляция приглашает зрителя поразмышлять о том, откуда мы приходим в этот мир, кто мы есть и чего мы хотим в   будущем – нашем единственном общем будущем.

В 2015 году Анна основала некоммерческую организацию Time Shrine Foundation («Фонд Храма Времени») для финансирования инициатив по Повышению информированности и защите окружающей среды и культуры.

Маркос Анзиани – американский художник доминиканского происхождения, заявил о себе как о художнике в 2016 году, он молод и перспективен. Работает в жанре лирической абстракции с элементами экспрессионизма. Его художественный язык стилистически перекликается с языком таких художников, как Виллем де Кунинг, Жоан Миро и Жан Мишель Баскиа. Композиции Маркоса напоминают абстракции Василия Кандинского.Маркос активно развивается как художник и стремится к созданию искусства, продолжающего пути поисков великих мастеров ХХ века.

Нью-Йоркский художник испанского происхождения, Хуан Мигель Паласиос, создает свои произведения на листах гипсокартона и прозрачной виниловой пленки. Широкую известность художнику принесла его серия Wounds («Раны»), в которой Паласиос создает целую галерею человеческих эмоций: радость, страх, ужас или грусть.

В картинах реалистически точно переданные женские и мужские образов соединяются с фактурой гипсокартона и сухой штукатурки. Жизнь изображается в противоборстве с силой времени. Богатая текстура материала подчеркивает жизненную энергию образов, пронизывающих зрителя.

Работы Хуана Мигеля Паласиоса находятся в частных коллекциях Европы и США, художник провел более 50 персональных выставок в Испании, Франции и США.

Джей Йонг Ким – южнокорейский художник, известный во всем мире благодаря своим керамическим пончикам. Интерес художника, исследования и студийные практики простираются от изготовления индивидуальных керамических изделий до инсталляций.

Работы Джей Йонг Ким входят коллекции университета Хартфорд, Университет Бриджпорта, а также частных коллекционеров. Сотрудничал с Louis Vuitton Shanghai.

Павел Полянский – российский художник, окончил Художественный институт им. В.И. Сурикова (станковая живопись, мастерская Т.Г. Назаренко) и Творческую аспирантуру (мастерская Т.Г. Назаренко), во время обучения, стажировался в художественной академии в КарлсРуэ (Германия). Павел работает в технике «гризайль» и с ее помощью достигает ассоциативной связи изображения с фотографией. Мир, который создает художник выглядит предельно реалистично, но полон саркастичных и ирреальных сюжетов.

Работы Павла находятся в частных коллекциях в России, США, стран СНГ.

Дарья Котлярова – московская художница, работает в жанре станковой живописи. Родилась в семье академических художников. Дед Дарьи – Лев Серафимович Котляров — заслуженный художник РСФСР, лауреат Государственной премии СССР. Отец – Павел Львович Котляров — художник в жанре станковой картины. Мать — Наталия Александровна Александрова — искусствовед, член-корреспондент РАХ, заведующая отделом живописи второй половины XX века Государственной Третьяковской галереи.

Работы Дарьи - это своеобразный поиск синтеза реалистического живописного языка и условности художественного образа. Аллегорические сюжеты и зашифрованные высказывания всегда привлекали художницу. 

Картины Дарьи Котляровой находятся в собраниях Музея русского искусства TMORA (США, Миннеаполис), Государственном художественном музее Калуги, в частных собраниях России, Италии, США, Франции, Сербии и Хорватии.

Московский художник Антон Тотибадзе – сын художника Константина Тотибадзе и племянник художника Георгия Тотибадзе. Работы Антона находятся в коллекции Государственного Русского Музея, в многочисленных частных коллекциях в России и за рубежом.

Конор Маккриди - родился 11 февраля, в 1987 году, в Йоханнесбурге (ЮАР).

В 2007, после учебы в ЮАР, Маккриди переезжает в Северную Калифорнию, США, где получает полную стипендию по гольфу. Через 6 месяцев он решает переехать в Лондон и стать художником. В 2008 он арендует старую студию известной балерины Марго Фонтейн на Тальгарт-роуд в Лондоне и организует свою первую мастерскую. Преимущественно в это время он создает портреты.

Спустя некоторое время Маккриди переезжает в Нью-Йорк и поступает в один из ведущих учебных заведений в области искусства, дизайна и архитектуры – Институт Пратта на Манхэттене. В этот период он работает моделью, а параллельно начинает продавать свои работы на улицах Юнион-сквер. Вскоре его талант замечают и Конор становится самым молодым художником, выставка которого открылась в Национальном Клубе Искусств – частном закрытом художественном клубе Нью-Йорка. В 2011 году Маккриди запатентовывает свой собственный цвет «Mccreedyblue» – уникальную комбинацию из пяти пигментов, которые он использует во всех своих работах. Выбор Маккриди пал на один из самых глубоких и загадочных цветов. «Странное и почти невыразимое воздействие» синего исследовал еще Гёте в середине XIX века. Вскоре крупнейшая американская мультимедийная корпорация Time Warner обращается к художнику с просьбой создать логотип в фирменном цвете Маккриди.

ASKERI GALLERY регулярно открывает новые выставки, активно реализует проекты на площадках партнеров, среди которых государственные музеи и частные организации, представляет своих художников на международных ярмарках современного искусства. Эксперты ASKERI GALLERY формируют частные коллекции, работают с интерьерами, помогают с подбором VIP-подарков.

ASKERI GALLERY была первой галереей в России, которая начала активно сотрудничать с дизайнерами интерьеров.

ASKERI GALLERY ежегодно организует персональные выставки для своих художников, проводя 13 персональных выставок в год.

За 5 лет ASKERI GALLERY провела две музейные выставки своих художников:

В 2017 году российский зритель впервые увидел работы Анны де Карбуччиа в Московском музее современного искусства (ММОМА).

Зимой 2017-2018 гг. Московский музей современного искусства совместно с ASKERI GALLERY представил персональную выставку Никиты Макарова.

В 2022 году ASKERI GALLERY совместно с ММОМА откроет выставку Кван Йонг Чана, всемирно известного корейского художника, персональная выставка которого пройдет с 5 марта по 5 апреля 2021 года в ASKERI GALLERY.

Начиная с 2017 года ASKERI GALLERY принимает активное участие в международных ярмарках, как в России, так и за рубежом.

В 2017 году ASKERI GALLERY впервые представила работы своих художников на Cosmoscow.

В 2018 году – стала участницей Art Kaohsiung, Art Shanghai, Cosmoscow и АРХ Москва.

В 2019 году – Cosmoscow, Da!Moscow, Scope Miami, Scope NYC, Shanghai 021.

На 2020 году у ASKERI GALLERY были грандиозные планы, но, к сожалению, из-за пандемии, галерея приняла участие в Scope NYC, Cosmoscow.

В 2018 году в лондонском офисе Christie’s состоялся благотворительный аукцион фонда Татьяны Корсаковой Gracious Heart под чутким руководством одного из самых влиятельных аукционистов в мире Симона де Пюри. 12 художников, шесть из которых представляет ASKERI GALLERY, создали свои работы при участии детей с ДЦП. Все стредства, вырученные от продажи произведений искусства были направлены в фонд Gracious Heart.

В 2020 году ASKERI GALLERY сделала коллаборацию с Доброшрифтом и Благотворительным Фондом «Подарок Ангелу», совместно создав лимитированную коллекцию футболок с работами Питера Опхайма, Павла Полянского и Дарьи Котляровой. Часть средств с продажи футболок направлены на программы помощи подопечным с ДЦП.

В 2017 году при поддержке ASKERI GALLERY французский граффити-художник, Ромен Фроке, превратил витрины торгового дома Весна (Москва, Арбат) в сказочный сад, оформив его своими яркими узнаваемыми муралами. Художник самостоятельно разработал эскизы каждой детали проекта, а затем лично приехал в Москву чтобы на глазах у публики создать декорации для показа в рамках BOSCOSFASHIONSHOW.

В рамках проекта «Подарим городу искусство», цель которого – вывести объекты современного искусства за привычные институциональные рамки и трансформировать их под запросы города, в 2018 художники ASKERI GALLERY Глеб Скубачевский и Антон Тотибадзе оформили рестораны Ильи Тютенкова: Глеб сделал «белую шубу» для «Северяне», Антон оформил входную группу Ugolёk.

В 2019 году Полина Аскери и Илья Тютенков запустили совместный проект: серию паблик-арт инсталляций московского художника Глеба Скубачевского, которые украсили фасады ресторанов Pinch, Ugolёk и «Северяне». По предложению Полины Аскери и при поддержке шеф-поваров трех ресторанов проект получил эксклюзивное гастрономическое развитие в виде специально созданных десертов «Скубачевский» в разных вариациях для каждого ресторана.

В 2020 году ASKERI GALLERY начала активно сотрудничать с сетью ресторанов «Кофемания», оформляя пространство ресторанов произведениями искусства художников ASKERI GALLERY.

Также работы художников ASKERI GALLERY в интерьере можно увидеть на партнерской площадке архитектурного бюро Buro ALL Design.

ASKERI GALLERY организовывала персональную выставку Павла Полянского на партнерской площадке в GMT-Clinic.

В конце 2020 года оформила интерьер ЖК «Имперский Дом» работами художников ASKERI GALLERY и ArtOnline24.ru